英国皇家艺术研究院院士浅显易懂地讲述艺术品背后的故事，带你从艺术中收获精神能量，助你征服人生难题，破解生活迷思，改变你的生活！
《艺术的慰藉》姐妹篇重磅来袭
暨《艺术的慰藉》后，我社引进的又一部写给现代人的心灵之书。作为超级畅销书《艺术的慰藉》的姊妹篇，来自英国皇家艺术研究院的作者苏茜·霍奇，用浅显易懂的语言，抽丝剥茧、提纲挈领地为你解读经典艺术作品。（《艺术的慰藉》的作者是英国皇家文学院院士）
从艺术的“实用功能”角度解读艺术品
艺术品的美学功能毋庸置疑，这也是我们普通人惯常的欣赏角度。更进一步的鉴赏是了解作者创作彼时彼地的经历和心境，明白作品背后隐藏的故事。可是知道这些跟我们有什么关系呢？欣赏艺术作品能带给我们什么？也许你已经明白艺术是什么了，但是想要了解艺术能帮我做什么的问题。那么就请跟随本书在解答艺术能为我们做什么的过程中找到破解人生各类难题的钥匙。
洞悉当今时代人们的压力与焦虑，精确分析艺术可以为人类带来的“情绪价值”
作者精心选取了72幅艺术作品，从驱散愤怒、征服恐惧、对抗焦虑、减缓压力、应对孤独、克服悲伤、激励自省、学习移情、获得灵感、创造力量、寻找希望、拥抱快乐等12个方面，解读如何欣赏艺术品可以为自己带来心灵与精神上的安慰，艺术品又是怎样为人类排忧解难的，为在生活中遭遇挫折、心灵受创的人们带去疗愈和修复的功效，带领读者全面解锁艺术作品的实用功能。
全彩印刷，装帧精美，便于携带
全彩四色印刷，方脊精装，32开小巧口袋本，轻便易携带。通勤公交、地铁上，排队等车时或者看娃玩耍时，都能随手掏出来看上几页，真正让艺术渗透进我们的生活。
草间弥生 ：“我每天都在与痛苦、焦虑和恐惧作斗争，而我找到的缓解疾痛的唯一方法就是继续创作艺术。
弥生的幻觉
1929年生于日本松本（Matsumoto）的草间弥生，在20世纪60年代的纽约因其广泛的创作实践而获得国际关注，她的创作类型包括装置、绘画、雕塑、时装设计和写作。草间弥生在 10 岁左右时第一次经历了视幻觉与听幻觉，从那时起她便开始画画。她在京都接受了传统日本画（nihonga painting）的训练，1958年搬到纽约后，与那里的艺术家们，如安迪 · 沃霍尔（1928—1987年）等交往。草间弥生以一系列行为“事件”引起了公众的注意，在这些“事件”中，裸露的参与者们在自己的身体上涂满了色彩鲜艳的圆点。1973年回到日本后，草间弥生因创作了使观众在空间中迷失方向的镜子灯光装置而闻名。
无限与超越
草间弥生在这件作品中探讨了“无限 ” 这个概念，柔和的光线下，无法确定空间的起点或终点，进入其中的观众们似乎产生了幻觉。草间弥生精心规划了空间的构造，策略性地放置了镜子与灯光，以创造迷幻的错觉。游客们进入一条镜面的通道。房间的墙壁和天花板上也铺满了镜子，通道周围的地板上覆盖着一个浅水池。天花板上悬挂着数百个小LED灯，它们在定时程序中以不同的颜色闪烁着。黑暗房间里的这些针状灯光也反射在镜子和水中。
改变观念
草间弥生的装置作品强调了她对观众个人体验的重视。在她的整个职业生涯中，她一直着迷于“永恒”这个概念，因为自童年时代开始，每当她经历焦虑和幻觉时，那些网状或斑点的形式便在她的脑海中无限复制。这些幻觉后来成为了她大部分艺术创作的基础，这件《无限镜厅》就是她对重复和无尽概念进行探索的例证。艺术，尤其像这种沉浸式的互动艺术，可以改变个人对世界的看法，这也正是草间创造“无限空间”（infinity rooms）时的目标。终其一生的精神治疗，让草间弥生对如何通过艺术改变观众的体验和思想有着特殊的理解。一旦观众沉浸于作品中，他们的情绪状态和态度就会发生变化，其最终的效果往往是平静和积极的。
米开朗琪罗 · 博纳罗蒂：“一个人的信仰是最好、最安全的疗愈。”
“圣者”（Il Divino）
米开朗琪罗（1475 — 1564年）是一位雕塑家、画家、建筑师和诗人。他出生在托斯卡纳（Tuscany），曾在多梅尼哥 · 基尔兰达约（Domenico Ghirlandaio，1449—1494年）的作坊当学徒，然后在美第奇宫（Medici Palace）学习雕塑。尽管米开朗琪罗坚称自己是一名雕塑家，但他在绘画和建筑方面同样出色。他获得了“圣者 ”的绰号，他的风格被描述为具有令人敬畏的气质，他成了在其有生之年出版传记的第一位艺术家。尽管他更喜欢雕塑，但他为教皇绘制了罗马西斯廷教堂（Sistine Chapel）巨大的天顶画，其中包括343个真人大小的人物和祭坛墙面上的《最后的审判》（The Last Judgement）。米开朗琪罗30岁前，就创作了两件最著名的雕塑作品 —《圣母怜子》（Pietà）和《大卫》 （David，1501—1504），74岁时他当选为圣彼得大教堂的建筑师。
将绝望拟人化
米开朗琪罗在无意中听说了这件《圣母怜子》（这是他三件《圣母怜子》之一）被误认为是他竞争对手的创作后，第一次也是唯一一次在雕塑上署下了自己的名字。这件作品表现了圣母玛利亚（Madonna）怀抱着受难后的基督（Christ）。在米开朗琪罗创作这件作品之前，悲伤主题在意大利并不常见。悲伤的玛利亚看起来很年轻，似乎永不会老去，她的头微微倾斜，靠向她已经死去的儿子，她的左手绝望地伸了出来。米开朗琪罗曾为自己把玛利亚刻画得如此年轻而辩护，声称这是玛利亚纯洁的象征。艺术家、艺术史家和传记作家乔治 · 瓦萨里（Giorgio Vasari，1511—1574年）写道，这件作品具有“神圣之美”，因为它融合了文艺复兴时期的古典美与自然主义的理想。为了达到视觉平衡，米开朗琪罗让玛利亚的膝盖比实际的要大很多，但整体看来却非常的和谐自然。
难以言喻
圣母怜子的场景，即悲恸的圣母用膝盖托住死去的基督，在《圣经 》中从未提及，但在中世纪时，它被描述为“圣母七苦”（Seven Sorrows of the Virgin）之一。玛利亚的头衔之一是殉道者圣母（Queen of Martyrs），这表明她的殉道远胜于其他人。在天主教艺术中，殉道者常常通过其受难时的器具（折磨或处死殉道者的工具）来象征，在这里，玛利亚便抱着她死去的儿子。当悲伤或其他悲恸无法用语言来表达时，图像便可以辅助这种情绪的传达或承担一部分最深层次的情感，即使只是几分钟也可以带来暂时的慰藉。像这样充满情感的艺术，可以帮助释放深切悲伤的情绪，缓解与这些情绪相关的身体症状，如痛苦、抑郁和焦虑。
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