1、艺术史中你不可不知的转折时代：每个热爱艺术的读者都离不开西方艺术史，而在西方艺术史中，19世纪是一个可能没特意了解过，但一定多少知道些代表艺术家和经典作品的时代，因为19世纪的艺术充满了挑战、实验和发现，标志着艺术从古典世界走向现代世界的惊人转折，这个转折使得艺术的内容和形式都发生了重大变化。可以说，不了解19世纪的艺术，就不了解西方艺术的精髓。
2、填补19世纪艺术出版空白的宏篇巨著：本书初版至今已经25年，由世界知名TH出版社出版的经典西方艺术史著作，这是目前新修订的第五版。这是一部集学术性、收藏性、鉴赏性为一体的大8开巨著，以时间为轴，聚焦19世纪的绘画、雕塑、建筑、摄影、设计，揭示了艺术蜕变与社会发展、历史变革的深度交融，使读者在清晰认识19世纪艺术发展的脉络，沉浸式一览辉煌年代的精华。
3、名家名作全收录，读懂19世纪艺术的“前世今生”：书中的内容详实，通过4部分，21章，150节的内容设定，呈现了从古典主义、浪漫主义、现实主义到现代主义的源流以及对后世艺术变革的影响。同时，透彻解析代表流派的风格，如学院派、拉斐尔前派、马基亚伊奥利画派、哈德逊河画派、巴比松画派、印象派、抽象派、纳比派、维也纳分离派等；同时阐述各个流派的代表艺术家，如格罗、德拉克洛瓦、戈雅、布莱克、康斯坦布尔、帕尔默和马丁、透纳、弗里德里希、库尔贝、马奈、修拉、凡·高等非凡的艺术创作力、生命力、影响力。
4、附录丰富，轻松搭建知识网络：书中每个章节的结尾都有章节后的思考题，对于回顾本章的主要内容和自我检测，一目了然，非常有效；附录中还有年表、术语表、参考书目、索引等非常实用的内容，对于想检索知识点的读者，可以一秒直达页码；对于想继续深入研究某个知识点的读者，可以根据建议书目继续深入阅读，轻松搭建起自己的知识网络体系。
家中的一对一大师课，专业作者团队背书：6位艺术史知名专家学者执笔，保证了该书的专业、系统、详实和生动。这本书的作者之一史蒂芬·F.艾森曼（Stephen F. Eisenman）是西北大学（Northwestern University）艺术史教授，他著有《圣•雷登的诱惑》（The Temptation of Saint Redon）和《高更的裙子》（Gauguin’s Skirt），并策划了众多展览，包括《达尔文时代的设计》（Design in the Age of Darwin）、《印象派生态学》（The Ecology of Impressionism）和《水瓶座时代的威廉·布莱克》（William Blake in the Age of Aquarius）。艾森曼是环境非营利组织“人类世联盟”的联合创始人兼政策与传播主任，此外他还担任了多个重要学术期刊的编辑，他还是众多国际艺术机构的顾问，他作为本书的主要作者构思并编辑了这本书的内容。其他章节由托马斯·克罗（Thomas Crow）, 布赖恩 ·卢卡彻（Brian Lukacher）, 琳达·诺克林（Linda Nochlin）, 大卫·L.菲利普（David L. Phillips）和弗朗西丝·K.波尔（Frances K. Pohl）撰写。其中琳达·诺克林，被公认为女权主义艺术史的先驱，于2017年10月去世。
19世纪艺术的批评概述
本书各位作者效仿当代艺术家的做法，力图以批评的眼光审视19世纪的艺术。换而言之，他们在艺术作品、建筑、设计的表面形式与社会历史的深度之间优游自如，对于两者之间的空间给予同等的关注。因此，相较以19世纪艺术为主题的同类书籍，本书以更大篇幅、更详尽地叙述了个别艺术家的作品 和事业生涯、关键的概念和思想。如果缺乏细致的审视，便不可能呈现艺术作品对于时代的社会与物质关系的重要影响。与其他人一样，艺术家也是行为主体，他们创造自己的历史，尽管不是在他们自愿选择 的生存境况里，他们与同类隔离，却不能超脱自然这 个终极权威。本书用整章内容探讨戈雅、梵高、修拉（Seurat）、图卢兹- 劳特累克（Toulouse-Lautrec）、塞尚（Cézanne），并以大篇幅文字阐述大卫、库尔贝、卡萨特（Cassatt）、艾金斯（Eakins）、威廉﹒莫里斯（William Morris），这样的内容安排，既是为了强调这些艺术家所面临的历史限制，也是为了揭示他们在艺 术和意识形态上自我解放方面的惊人程度。尤其值得 我们关注的是，他们对现代性赋有独特的批判性理解。
对于19世纪晚期巴黎、伦敦、柏林、布鲁塞尔、芝加哥等地的观众来说，本书所探讨的创新的现代艺术、建筑和设计作品，实则冒犯了占据支配地位的主 流思想和机构。它们被视为公然挑战等级制度和主流 价值观，它们被视为造反派、社区的先锋队、文化缓 冲垫。现代的艺术与设计 ——在现代化过程的一百年 间，设计无疑只是艺术创造的一个分支 —通常在大 众场所展览，譬如租借的会厅、展厅、帐篷、博览会、艺术家画室、酒吧、餐馆、马戏团。艺术家、设计师、批评家、赞助者组成的亲密团体推动这种展览形式。这种展览本身似乎既体现渴望回归工匠式而非工业化生产的旧时代，又代表梦想的未来 ——届时，手工艺将是自愿的劳动，而不是被需要或利润驱使。此外，现代的画家、雕塑家、设计师试图通过这种展览 形式，在作品与新兴的普通公众之间打造更密切的联系，—这是通过官方展览渠道绝不可能实现的。这样也能暂时地抵挡阻挠想象与创造新兴复制媒介的挑 战。这些现代艺术家理所当然地接受前辈们在19世纪初的奋斗成果 ——思想与行动的自由，力图将自己的作品当作批评与反思的工具，有时甚至用于社会改 革。诚然，最后一种企图似乎是妄想，然而，这份雄 心抱负 —库尔贝、梵高、修拉、莫里斯、亨利﹒德 图卢兹- 劳特累克（Henrri de Toulouse-Lautrec）等人 的名字放在这里最为贴切 —揭示了19世纪艺术的批评特征的双重含义：似戈雅和安格尔那样审视整体 性，是批评的一种定义；似库尔贝和梵高那样描绘无 产阶级工人和农民【图0-3 】，试图通过艺术改变世界，则是批评的另一种定义。
然而，本书不单单注重现代艺术作品，也要涉及美国联邦时期晚期与南北战争前期的绘画和雕塑、英 国乔治时代和维多利亚时代早期的风景蚀刻画和版画、美洲原住民的账簿艺术（ledger art）、摄影艺术。然而，在这些范例里，我们所探讨的艺术和物质文化， 都涉及19世纪现代化过程所出现的政治和艺术的问题。这些颇具争议性的问题在我们的时代依然产生回 响。这些问题包括地方性与全国性、大众与精英文化 的对抗价值观，工业化与环境保护的问题，伟大的作者和艺术家是否具备“准则”的问题，两性关系、自然、社会阶级、性别、种族的艺术表现问题。19世纪的艺术家与今日的艺术家面临同样的挑战，譬如新兴 的技术大规模复制和传播他们的作品，公共展览和美 术馆衍生烦扰的政治问题。此外，艺术家也接触大众 文化及非欧洲的文化的形式和意象，诸如卡通画、讽刺漫画、巨幅海报、招贴画、杂志插画、广告以及美 洲原住民、大洋洲、非洲的艺术形式。
如果我们反复强调过去与现在的艺术问题的共通 性，或许显得言过其实。但这些共同特征确实赋有说 服力。事实上，如果我们的文字若能激励读者去思考 现代社会的权利、现代化、生态的问题，去思考阶级、种族、性别的艺术表现问题，那么这本书便已达成目 标，实现以更全面和充分的方式走进19世纪的艺术。在那个世纪，人们对于社会和文化正逐渐形成一种全 新的、历史的、批判的理解 —这也是今天我们共有的理解。
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