杨琪，1935年生人。1961年毕业于中国人民大学哲学系，后任教于清华大学美术学院艺术史论系，曾担任教授并致力于艺术史论与哲学的教学和研究工作。

杨琪教授在艺术学、美术史和美学领域具有卓越的贡献，出版了多部具有深远影响力的学术专著和普及读物，包括《艺术学概论》、《艺术理论基础》、《中国美术五千年》、《中国美术鉴赏十六讲》、《敦煌艺术入门十讲》、《名画百幅赏析》、《一本书读懂中国美术史》、《一本书读懂西方美术史》等。其研究内容涵盖中国和西方美术史的核心领域，同时将艺术理论与哲学思辨紧密结合。

除了学术研究，杨琪教授还积极从事艺术教育与传播工作。他曾担任中央电视台《世界文化广场》艺术顾问，北京电视台《名师讲坛》栏目主讲“西方美术欣赏”系列节目，并在《中华文明大讲堂》中主讲“中国美术欣赏”，将高深的艺术知识以深入浅出的方式介绍给大众，深受观众好评。

杨琪教授学术严谨，教学风趣幽默，荣获清华大学美术学院教学贡献奖。他的新作《中国美术五千年》，系统梳理了中国美术的发展脉络，为大众提供了深刻而通俗的美术史解读，是学术与艺术普及相结合的代表性作品。

《画里画外——中西名画里的艺术精神》是一本探索中西方绘画艺术的心灵之作。作者杨琪先生通过细腻的笔触和深刻的分析，带领读者进入一场跨越时空的艺术对话。书中不仅从技法、色彩等层面对经典画作进行了精辟解读，还通过对创作背景、文化脉络的深入剖析，揭示了艺术背后的思想和精神。这是一部兼具学术深度与文化温度的作品，让人在阅读的过程中不仅仅看到画作的美，更能感受到画作中蕴含的情感与哲理。

《画里画外——中西名画里的艺术精神》通过“看画里”和“想画外”的双重视角，为读者提供了一个全新的欣赏方式。无论是西方文艺复兴时期的绘画，还是中国古代的山水画、人物画，作者都以生动的语言和细致的观察，将这些作品的艺术价值与文化背景娓娓道来。从乔托到达·芬奇，从顾恺之到范宽，每一位艺术大师的作品背后都有着深厚的文化积淀与思想光辉，而这些作品又因历史的变迁、时代的推动，成为今日我们解读人类文明的重要窗口。

《画里画外——中西名画里的艺术精神》不仅是一本为艺术爱好者量身定做的艺术鉴赏书，更是一本能够触动心灵的文化之作。它适合每一位热爱艺术、想要深入了解画作背后故事的读者。无论是对艺术充满好奇的年轻人，还是在艺术教育领域深耕的专业人士，都能从本书中汲取知识与启发。作者通过简单易懂的语言和生动的案例，使得复杂的艺术理论变得亲切可触，让每一位读者都能感受到艺术的无穷魅力与深邃内涵。

 中西名画里的艺术精神                                                                                                                                                                                                                                                                                                                            我们已经看到了中西方五光十色、精彩纷呈的绘画作

品。当然，中西方绘画留给我们的印象，不尽相同。西方

绘画留给我们的印象是形象真实，色彩绚丽；中国绘画留

给我们的印象是不求形似，平淡天真。

中西方的绘画，为什么会有不同的面貌呢？造成中西

方绘画不同面貌的思想原因究竟是什么呢？

我们说，造成中西方绘画不同面貌的思想原因，就是

艺术精神。

西方绘画里的艺术精神

西方绘画里的艺术精神不仅在于注重真实的再现，更

在于对创新的追求。西方绘画的艺术精神，最核心的东西

是创新。

在西方，绝大多数的艺术家异口同声地主张创新。可

以说，一部西方艺术史，就是创新的历史。

创新，可以说，是每一个时代、每一位画家坚定不移

的信条，他们都以为自己是前无古人的创新者。被誉为西

方艺术史泰斗的贡布里希对西方艺术史做了实事求是的描

绘，他说：

每一代人都有反对先辈的准则的地方；每一件艺术作

品对当代产生影响之处都不仅仅是作品中已经做到的事情，

还有搁置不为之事。……渴望独出心裁也许不是艺术家的

最高贵或最本质的要素，但是完全没有这种要求的艺术家

却是绝无仅有的。……这个毛病是把艺术的不断变化天真

地误解为持续不断的进步。每一个艺术家的的确确都觉得

自己已经超越了上一代人，而且在他看来，他所取得的进

展是前所未有的。我们不能体会到艺术家在观看自己的造

诣时内心的解放感和胜利感，也就不能体会理解一件艺术

作品。

创新就是西方绘画的生命，没有创新，就没有西方绘

画艺术。

创新，是我们理解西方绘画的钥匙。

西方传统绘画追求真实，他们研究透视、比例、光线，

达到了炉火纯青的地步，创造了足以乱真的绘画作品。现

代派绘画为什么突然放弃了真实呢？原因只有一个：创新。

西方传统绘画追求美，他们寻找世上的美女作模特，

孜孜以求，创造了比美女更美的美的形象。当他们已经登

上了艺术美的高峰之后，为什么突然放弃了美呢？原因只

有一个：创新。

马蒂斯的野兽派，毕加索的立体派，以及名目繁多的

现代诸多艺术流派，都是一种“创新”。现代艺术的生命

就是标新立异，惊世骇俗，破旧立新。

创新，对于西方绘画来说，是多么好的价值追求啊！

但是，世上的一切，有一利必有一弊。西方艺术发展的今天，

上穷碧落下黄泉，还能够有什么新的领域可以寻找呢？

这正是当代西方绘画遇到的难题。

中国绘画里的艺术精神

为什么中国绘画没有遇到西方绘画遇到的难题？因为

中国绘画的艺术精神不同于西方。

中国绘画给我们最突出的印象，与西方艺术恰恰相反，

作品十分类似，特别是中国的山水画，数峰耸出，一片密

林，一湾泉水，几起烟岚，几块怪石，总有“差不多”的

感觉。之所以如此，是因为中国绘画具有与西方绘画不同

的艺术精神。

那么，中国绘画的艺术精神是什么呢？

中国绘画除了具有更加注重精神性这一特征，摹古也

是其重要特征。

在绘画作品上，中国画家摹古有久远的历史。远在六

朝时，就有摹古。据张彦远在《历代名画记》中写道：

上古之画，迹简意澹而雅正，顾陆之流是也。中古之

画，细密精致而臻丽，展郑之流是也。近代之画，焕烂而

求备。今人之画，错乱而无旨，众工之迹是也。

《历代名画记》中又说：

“顾生首创《维摩诘像》，有清羸示病之容，隐几忘

言之状，陆与张效之，终不及矣。”

元代陆友仁说：

“唐人临摹古迹，得其形似而失其气韵，米元章得其

气韵而失其形似。”

北宋刮起摹古的狂风，最炽烈之时，甚至画家的名字

都改为“希古”、“尊古”、“守古”、“复古”、“崇

古”等等。

元初的赵孟第一个提出了系统的摹古理论。他说：

作画贵有古意，若无古意，虽工无益。今人但知用

笔纤细，傅色浓艳，便自为［谓］能手，殊不知古意既亏，

百病丛生，岂可观也。吾所作画，似乎简率，然识者知其

近古，故以为佳。此可为知者道，不为不知者说也。

这里所说的“今人”，就是指南宋画家。“用笔纤细，

傅色浓艳”就是指马远、夏圭一派的山水画风格。他把“古

意”列为绘画审美的第一标准。元代大画家都是他的传派，

元画也达到一个空前的高峰。

明代中期以后的绘画作品，经常会出现“仿某某人”

的落款，尤其是清初，师古之风盛行，以“四王”为首的“仿

某某”、“仿某某笔意”、“仿某某人某幅作品”一度成

为潮流。这些“仿”的作品，签上仿者的大名，同样受人

尊敬。这种现象，在西方绘画中，是绝对没有的。在中国，

只有一种情况，受人鄙视，那就是在“仿”某某人、某某

作品之后，没有签上画家的大名，冒充古人的作品，这就

叫作“赝品”或“假画”。